Construyendo un sistema de creación de propiedad original animada en México de manera sustentable.
- Ernesto Molina
- 12 ago
- 44 min de lectura
Actualizado: 12 ago
Tiempo aproximado de lectura: 45 min - 1:00 hr Duración de versión en audio: 1hr 24min
Si eres creador de animación o aspiras a convertirte en un "showrunner". El siguiente artículo te proverá de mi óptica más crítica sobre el PRESENTE del desarrollo de propiedades originales con el objetivo a serializarse. Así mismo una especie de tesis desarrollada con mis 10 años de experiencia sobre las herramientas que puedes utilizar para ver tu proyecto despegar sin firmar un contrato con el diablo. Toda la información a continuación ha sido recabada por mi experiencia en el medio, mis relaciones profesionales y testimonos de personas de mucha confianza.Quizas Hago esto con el fin de promover información real sobre el estatus de nuestro medio en México. En ningun momento destruyo la esperanza de nadie, ya que aquí encontrarás las respuestas que tanto necesitabas que van a aclarar tu mente y proceso creativo. Te lo garantizo. De igual manera, si después de leer este artículo, hay algo que les paresca importantisimo sumar, pueden enviarmelo a mi instagram personal ( EmolinaCe), yo estoy más que dispuesto a escuchar todo tipo de retroalimentación que ayude a complementar todo el contenido dentro de este largo texto que les espera. Primero, un "Breakdown" de los puntos que vamos a tocar:
Mi experiencia como showruuner y creador del 26x11 "My Brother the Monster"
La formación académica que obtuve en el mundo de las marcas y la publicidad.
El Piloto de una propiedad animada ya no es relevante.
Estados Unidos como hegemonía en el sistema de creación de originales.
El legado y futuro gris de Warnermedia Discovery Latam ( Cartoon Network )
El desarrollo de un nuevo producto minimo viable.
La propiedad digital como el corazón del negocio creativo.
Los Festivales y Mercados de animación necesitan modernizarse.
Creando un nuevo modelo de desarrollo de propiedad intelectual para animación.
La industria de la animación y la industria de las marcas de consumo.
Los creditos fiscales.
La urgencia en la activación de una economía de la propiedad digital.
En el caso de que no esten dispuestos a leer todo a continuación, les ofresco una versión en audio que puedan poner de fondo mientras trabajar o hacen ejercicio.
LET'S DO THIS
Introducción
Saludos a todos los lectores que van a tomar unos buenos minutos de su día para conocer uno de los grandes dilemas que se apodera de mi cabeza todos los días. Una conversación interna que me acompaña cada que talló un sartén al lavar los platos, que me aqueja cuando mi mente quiere entrar en silencio, que escurre por todo mi cuerpo junto con el shampoo con el que me baño (Uso uno que se supone le da volumen al cabello, aun no veo diferencia).
¿Cuál es el sistema más adecuado en México y América Latina, para que un creador independiente de animación, tenga garantía en la realización de un proyecto serializado con omnicanalidad y beneficios de titularidad?
Recientemente he atravesado por un cambio de paradigma en las ideas centrales que me construyen como un profesional del ecosistema de animación y desarrollo de la propiedad intelectual. Situaciones fuera de mi control que han traído como consecuencia resignificar la relación que veía en mi talento como creador con mi posición laboral en este medio, además de completamente destituir algunas creencias, ideologías y objetivos personales con los que tenía casi 10 años de relación y eran parte de la columna vertebral de mi toma de decisiones. Por muchos años escuche con atención a las Super Estrellas de Norte América, a los showrunners más destacados del continente, con obras en los canales y plataformas de animación más grandes del mundo. Use sus palabras de motivación en la práctica para llegar a mi objetivo de forma exitosa, sin embargo entre tanta información sobre el desarrollo de productos de animación para televisión, el pitching a ejecutivos y las responsabilidades de un showrunner en producción, jamás encontré nada que pudiera darme certeza de que una idea bien lograda pudiera comprarme una casa y tener independencia creativa. Lo cuál considero debe ser el sueño de muchísimos jóvenes creadores a la fecha.
Creo me siento como Copérnico al momento de haber teorizado vagamente su modelo del sistema solar, aquel que llenaba todos los huecos argumentales y funcionales de la observación del cosmos. Porque una vez que el sol se convirtió en el centro de todo, las demás piezas del rompecabezas, los movimiento de los otros astros su alrededor tuvieron sentido con las observaciones de distintos miles de astrónomos y por tanto fue más fácil estudiarlos con objetividad compartiendo información y cálculos entre científicos. Sin embargo, debo admitir, que la falta de control en mis palabras y mi forma tajante ( y en ocasiones prepotente ) con la que entró en estos temas para dar a conocer mi punto de vista al hablar con otras personas, me ha puesto en una posición difícil en un medio al que a pesar de amar con toda mi alma, me peleo diariamente con sus deficiencias. Claro esto incluye la percepción que muchísimas personas tienen de mí, que ponen en duda mi experiencia por mis actitudes. Les voy a ser bien sincero, si me ha afectado emocionalmente saber donde he metido la pata y las consecuencias de lo mismo. Les pido disculpas a todos los que han visto el lado más oscuro de mi tomar el control, llevo alrededor de 9 meses viviendo en modo supervivencia, así que no soy la mejor versión de mi actualmente. Sin embargo, les puedo decir con franqueza que aunque estén en desacuerdo conmigo por motivos personales, sé que tengo razón en todo lo que voy a escribir a continuación y espero despertar en ustedes una chispa que los ayude a reconfigurar sus objetivos en este medio tan hermoso que tenemos.
Lo que me dejó la experiencia de ser un Showrunner: Por 10 años, utilicé todos mis recursos intelectuales, artísticos, sociales y hasta emocionales, para ver por concluída la realización de “My Brother the Monster”, mi primera serie animada de una temporada completa de 26x11 episodios, producida gracias a Gasolina Studios - con mi “partner in crime” Joe Alainis, en conjunto con la inversión privada de Arcana Studios - con Sean Patrick O’Reilly a la cabeza.
“My Brother the Monster” no es solo el primer 26x11 en su tipo en la historia de nuestro país, es la primera coproducción de series independiente entre México y Canada sin haber dependido de una ventana de exhibición o la inversión de alguna plataforma de streaming para su distribución en Latinoamérica. Tuvimos la suerte de financiar un show gracias al único programa de apoyo a series de ficción por parte del IMCINE, el cual tristemente fue un fracaso para la institución causando que fuese removido de los programas de apoyo anuales. Nuestro proceso de distribución fue completamente independiente, pasando por las distribuidoras más grandes del mundo, como lo son Cake, Jetpack y finalmente Pink Parrot Distribution. Estos últimos fueron pieza clave para cerrar nuestra primera ventana de exhibición en español por medio de la señal de Canal Once Niñas y Niños. Permitiéndonos llegar a millones de niños completamente gratis en nuestro territorio. Puedo decir con mucho orgullo, que mi programa de televisión está en el mismo canal que trajo a nuestro país “31 minutos” entre otras series altamente significativas para nuestra población.
Existe un Ernesto previo al lanzamiento de MBTM y un Ernesto posterior ( post-mortem) a este proceso al que dediqué 10 años de mi vida. La persona que salió de ahí, perdió a su hermana por una terrible enfermedad en el camino, se mudo de un estado a otro dejando a sus seres queridos atrás, encontró amigos nuevos ( gracias a Miriam Lopez) extrañó a su familia cada fin de semana, pero en la suma de todo esto en conjunto con la experiencia de haber sido showrunner, adquirió herramientas muy avanzadas en el conocimiento del proceso de realización de una obra original desde un pitch hasta la pantalla.
Pase por una especie de luto real al terminar y llevar a exhibición una serie que representó el trabajo más largo de mi vida. Como en todo proceso de luto es importante resignificar las cosas que amamos de lo que fue, para así construir una nueva verdad que nos ayude en el futuro gracias a herramientas nuevas para afrontarlo. Aquí fue donde todo empezó, donde diversas situaciones fuera de mi control comenzaron a mover drásticamente el suelo en el que me sentía seguro, donde para conseguir mejores oportunidades empecé a ver nuestro medio con ojos más críticos, como astrónomo replandeándose el modelo del sistema solar porque algo no cuajaba en como algún planeta orbitaba el cielo nocturno ( me encanta la astrofísica y el estudio del cosmos, son analogías que usare en varias ocasiones, por eso mencioné a Copérnico al empezar ) Con el tiempo simplemente me encontré con muchísimas leyes que me había puesto a mi mismo, que ya no tenían sentido con el nuevo criterio que estaba formando. Rutinas y patrones que en nuestro medio en México se repiten, contagian y refuerzan año tras año, y quizás estos mismos no nos están permitiendo realmente convertir nuestro ecosistema nacional en una economía sustentable omnidireccional.
Retomando los orígenes de mi formación académica en Marcas y Publicidad para emprender en Licenciamiento.
La omnidireccionalidad es un principio que comencé a tomar muy en serio al empezar a emprender en el mundo del Licenciamiento. ¿Porqué tome tal decisión? algo en mi intuición me gritaba constantemente que necesitaba poner mis pies en el mundo de las marcas de nuevo. Aquí fue donde mi formación universitaria le dió sentido a las ideas que tenía en mente - para los que no saben, soy Comunicólogo Visual por carrera profesional, un plan de estudios que mezclaba exitosamente Marketing, Publicidad, Televisión, Cine y Propiedad Industrial - Para sumarle a la ecuación, 2026 se convirtió en lo que sería el primer año en el cual me enfrentaría al mercado laboral como un profesionista independiente y un emprendedor ¿Porqué después de 10 años trabajando con Gasolina Studios, partimos rumbos? Solo les puedo decir que creo fue decisión de un poder mayor, el mismo que me hacía soñar con jugueterías y juguetes que no existen al menos 2 veces por semana durante varios años.
No se ustedes pero para mi, que soy una persona que confía en su intuición con una fe ciega, fue una clara señal que catapultó mi desarrollo creativo durante este año.
Así que me puse manos a la obra. Estructure un proyecto emprendedor al cual llamo “Licenspark” y me di a la tarea de realizar conexiones profesionales en nuestro país con licenciatarios. Los licenciatarios son empresas que adquieren licencias de uso de activos para explotación comercial como lo son Crayola, Fotorama, Woolworth, Regalos Siglo XXI, Peluchería de Mex, Grupo Ruz, entre otras que pueden encontrar vendiendo productos de sus personajes favoritos en tiendas departamentales. En todas estas llamadas, había una pieza del rompecabezas sobre cómo garantizar la sustentabilidad y mejorar la planeación estratégica de la propiedad intelectual. Principalmente agradezco al director del área de licencias de Fotorama de méxico, porqué en mis conversaciones con él, se portó como un maestro y me ayudó a entender la visión que tiene un licenciatario para evaluar una propiedad y los tiempos de desarrollo de producto para anticiparme a nuevas oportunidades de colaboración.
Hay tres puntos clave en la óptica del Licenciatario, que considero deberían estar en el Back-End de cualquier estudio creativo con una IP de animación original en desarrollo o producción, ya sea animación, cómic, videojuegos o incluso memes de instagram.
Que las propiedades y equipos creativos tengan calendarizado un año de actividades, promoción, publicación de contenido y activación digital al menos por un año de anticipado.
Que exista una verdadera demanda comprobable de producto, en caso de que no haya, que la propiedad tenga una clara idea de las categorías endémicas más viables para el desarrollo y venta del mismo, sumando la garantía de acompañamiento por medio del Marketing Digital.
Que sean proyectos omnidireccionales, esto significa que no dependan de una sola ventana de exhibición para su exposición a los espectadores. Que sean accesibles a los usuarios sin importar donde estén.
Si algo ha sido muy popularizado dentro del modelo de desarrollo actual para contenido original de animación ( Principalmente porque los festivales globales y el VOD digital los apremian ) son los famosos pilotos animados. Una prueba episódica de no más de 11 minutos de duración, que contenga el tono, la voz, la premisa central y la dirección de animación que generan la chispa que pueda producir una llama para la consolidación a largo plazo de estos proyectos de manera serializada.
La era del piloto animado como producto mínimo viable está muerta, déjenla ir.
El piloto siempre fue el MVP de cualquier creador de animación, es el enlatado perfecto para que productores, ejecutivos, mercadólogos y fabricantes de juguetes pudiesen decidir si invertirían en un producto serializado ( y por tanto colaborar con los creadores ) por los próximos 5 años, qué es el tiempo en el cual podían producirse al menos dos temporadas de un show original. Así de importante fue el piloto durante quizás tres décadas. Cuando el modelo de desarrollo de nuevas propiedades tenía un click orgánico con el modelo de negocios de la televisión por cable en perfecta sinergia con las estrategias de las jugueteras para lanzar nuevos productos en fechas decembrinas. Las cosas funcionaban para todos en ese tiempo. Los creadores dedicaban hasta una década de su vida en múltiples temporadas de sus propios universos, los estudios generaban millones con la propiedad a través de las verticales de negocio, licenciamiento y mercancía oficial de estos personajes. Por último las televisoras tenían anunciantes peleándose los slots publicitarios de esas series en televisión. Porque no te costaba lo mismo en Azteca 7, meter un comercial en el bloque de “Los Simpsons” que en el programa matutino con el que desayunaban nuestras mamás. Investiguen si estan disponibles viejos tarifarios de Televisa con el costo de minuto por bloque de programación, se darán cuenta de los millones y millones que las empresas se gastaban para anunciarse en sus programas favoritos. Actualmente en este modelo, el programa de televisión que le sigue generando a Televisa es “La Rosa de Guadalupe” en el cual el spot publicitario cuesta alrededor del millón de pesos.
Fun Fact: En la universidad estudiamos producción de televisión y comprendimos en menor medida el modelo de negocio de Televisa y TV Azteca en ese tiempo. Recuerdo que en una clase vimos el tarifario de Televisa ( 2012) y nos fuimos de espaldas al ver lo mucho que generaba con “La Rosa de Guadalupe”, al igual de los millones que ganaba Javier Lopez Chabelo con sus anunciantes.
Es una verdadera lastima que ese sistema de pilotos, producción estratégica, soporte de anunciantes y la íntima relación del juguete con el show de televisión ( cómo se cuenta en “The Toys that Make Us” ) haya dejado de ser rentable para los estudios. Yo intuyo que entre los años 2013 - 2016 fue cuando desapareció por completo este sistema ( corrijanme si me equivoco para actualizar la información ). El piloto no es un MVP en el que valga la pena invertir y más adelante mencionaré que herramientas de desarrollo de producto son más efectivas para sus proyectos animados si lo que quieren es tener la titularidad de su obra, sin depender de que una plataforma te quite los derechos con el fin de producirla.
No estamos en Estados Unidos, no consolidamos una carrera en su medio animado, por lo tanto nuestras herramientas de desarrollo no tienen porque ser las mismas.
Este antiguo sistema que le dio una catapulta a los creadores más emblemáticos de América dependía de su capacidad para realizar un piloto animado efectivo y convencer al estudio de invertir los siguientes 5 años en producir como mínimo dos temporadas de sus proyectos. Si ya no existe la sinergia entre al estudio, el anunciante, la tele por cable y las jugueteras que consolidaban ese modelo ¿Entonces ahora de qué sirve hacer un piloto animado en una época donde los exhibidores más importantes de América ni siquiera están optando por darle oportunidad al talento que tienen en sus filas y tomar riesgos con nuevas propiedades? Digo, si los propios artistas de Disney ya no pueden hacer pitches de cosas originales a la plataforma para la que trabajan ¿Crees que van a hacerle caso a algún creador externo? - Lo mismo aplica para todos los grandes estudios -
El piloto sin duda llena de satisfacción y un sentimiento de realización a los creadores. Es una prueba de fuego que los ayuda a mentalizarse para el maratón que les esperaría correr sobre una docena de episodios. Pero al no ser ya factor clave para el éxito de sus ideas originales, debido al achicamiento del mercado de adquisiciones, el fin del modelo de negocios tradicional de televisión por cable y el constante estado de “bancarrota” en el que parece vivir Hollywood. Entonces el piloto animado se convierte en un capricho, más que una opción estratégica.
“Ernesto pero si estamos hablando de la industria de animación, el piloto es lo animado ¿porqué tendríamos que dejarlo morir si actualmente en youtube los pilotos están mostrando alto rendimiento?”
No estoy diciendo que dejen morir al piloto, pero el piloto ya no puede ser el MVP ni la meta a conseguir. Al menos no dentro del primer año de desarrollo de tu proyecto de animación. Se bien que hay pilotos con increíble rendimiento en Youtube, pero me gustaría que investigarán esos casos y que tienen en común. Generalmente es alguno de estos:
Creadores con una trayectoría comprobada en el medio ( Legacy Creators )
Canales con audiencias consolidadas
Proyectos que cuentan con estrategias de omnicanalidad
Estudios que pueden financiar pilotos con estímulos de gobierno de sus países
No son nuevas marcas o cuentas recién hechas en youtube que se hicieron para subir el piloto. Son canales de distribución consolidados que trabajaron en la formación de una comunidad y una audiencia por muchísimos años hasta poder habilitar una vertical de contenido que les permitiera arriesgar recursos en la producción de pilotos animados. Porque si, los pilotos implican un riesgo financiero en la actualidad en el modelo independiente digital. Ya que generalmente los pagan los mismos creadores de sus propio dinero, o utilizan alguna herramienta de crowdfunding para consolidarlos ( y para esta última, también la huella artística y presencia digital de los creadores es super importantísima para una campaña exitosa )
Warnermedia Discovery Latam nos dejó un legado muy especial que quizas no vuelva a repetirse.
Del año 2015 al 2024 Warnermedia Discovery ( Conocido anteriormente como Cartoon Network Latinoamérica ) sin duda fue la plataforma más relevante para la consolidación de animación original de Latinoamérica y su exhibición internacional.
Cuando la empresa aún era Cartoon Network, su mejor modelo de financiamiento para experimentar con creadores mexicanos fue a travéz de "interesticiales" los cuales eran cortos de uno o dos minutos que se exhibian en sus señales de televisión ( en ese entonces ) como pruebas de concepto hechas en México. Cinema Fantasma desarrolló una estrecha relación con CN Latinoamérica gracias a diversas colaboraciones que hicieron con el canal para poder llevar los personajes originales de Cartoon Network a pequeños spots de stop-motion que se transmitieron en los bloques publicitarios. Así como Cinema Fantasma, hubo diversos estudios que utilizaron este modelo de creción de animación original para poner su trabajo en ojos de la audiencia de la región y poco a poco contruir una relación con eldepartamento de latinoamerica que en esa época estaba a cargo de Hernan de la Greca (VP)
Muchas de estas relaciones evolucionaron positivamente a largo plazo. Cinema Fantasma pudo consolidar "Los Sustos Ocultos de Frankelda" como la primera serie de stop-motion hecha en Mexico. Mighty Animation Studios produjo la miniserie de "Viking Tales" de Ivanovich Verduzco. A estas podemos sumar "Villanos" de Alan Ituriel, la cual gracias al esfuerzo de productores como Humberto Cervera, pudo ver la luz verde para su realización ( debido a que fue el primer proyecto serializado de México ). "Rey Mysterio vs La Oscuridad" de los Hermanos Calavera sorprendío a todos por su inmensa calidad como la primera serie mexicana auténticamente de acción.
Gracias a sus convocatorias para creadores y creadoras ( como el Girl Power ) otros proyectos pudieron llevarse a cabo como un piloto animado y formar parte de la programación del canal, como lo son: El Bosque Olvidado, Ori y Gen, Astro Packers, Cazadores de Estrellas, Era solo una roca que se parecía a alguien, entre un par más que estoy encontrando dificil recordar y no se como buscarlas en google. En regiones más al sur como lo es Brasil, Cartoon Network produjo series como "El Show de Animalu", "Hermano de Jorel", "Oswaldo" y "Vamos Mandy"
Yo fui beneficiado en 2016 por estas convocatorias del Canal ( en su era Cartoon Network ) al ganar su programa de incubación y producción de pílotos con Anima Studios. Quienes me hicieron el honor de producir mi primer piloto animado transmitido por Cartoon Network "What the Quest is This?"
Sin duda alguna todos los proyectos de series desarrollados en Latinoamérica se han llevado a cabo gracias a lo que fue CN Latam, ahora Warnermedia Discovery - en un futuro no sabemos como se llame - Lamentablemente el estado estructural de la empresa depende por completo de su matrix en Estados Unidos, que bien sabemos se encuentra en llamas dentro de un acuerdo de adquisición por Paramount Pictures, el cual no sabemos si va a llevarse a cabo y cuando. Este acuerdo pone en "jaque" al equipo de Latinoamérica que construyó esta generación de proyectos originales. Tienen más de un año con las manos amarradas sin poder realmente desarrollar cosas nuevas por el delicado estado en el que esta la situación y porque siendo sincero, ni siquiera saben si van a sobrevivir a este cambio. Ya lo hicieron dos veces, esperemos esta vez no sea distinto, pero de algo puedo estar 100% seguro. No importa que situación se concluya en relación a la adquisición de Paramount. Warnermedia Discovery Latam va a quedarse exactamente igual que antes de esta negociación o peor. Yo veo muy dificil puedan seguir sustentando la creación de series originarias de nuestra región. En especial porque que recientemente para producir algo con ellos es necesario el proyecto se realice bajo un acuerdo de co-producción, lo que implica que estudios tengan que invertir para ver su proyecto estar en la plataforma de HBO ( porque el canal de Cartoon Network ya opera independientemente en una división especifica de "Broadcast" por Discovery ).
La verdad hicieron un trabajo monumental y crearon un legado muy especial para la industria de animación de nuestro país, pero no podemos dejar que una empresa con matrix en Estados Unidos ( que se cae a pedazos ) sea la salvadora de todo un ecosistema de creación de proyectos animados. Dejar perder la titularidad de tu obra para aparecer en una app de streaming que no sabes si va a seguir existiendo, la neta no tiene absoluto sentido.
¿ Porqué creen que el estudio Viva Calavera, creadores de "Rey Mysterio vs la Oscuridad" estan tomando las riendas sobre su proyecto para poderlo llevar a youtube?
El Piloto animado no puede ser el MVP, cambiemos las prioridades y evolucionemos como creadores. Veo a muchos artistas dedicando cada gramo de su ser a un piloto como el centro de todo proceso de desarrollo de una nueva propiedad para animación. Así como la iglesia pensaba que la tierra estaba al centro de todo y no se le debía despojar de su lugar porque sería una herejía. Hay mucho sentido en esto, el piloto es lo que le da vida a una propiedad, el piloto muestra la voz del autor, el piloto conecta con las audiencias y las hace desear más, el piloto por tanto es el centro, es la tierra y es la esperanza de vida para un proyecto. Considero de todas maneras que la ideología detrás de esto me parece de lo más valiosa, yo tampoco como creador me sentiría completo si no tuviera en mis manos una prueba de que mi visión se puede hacer realidad.
A pesar de esto el piloto no puede seguir en el centro del sistema de desarrollo de proyectos animados con ambiciones de ser serializados. Mucho menos escalarse a ser lo más importante a lograr como creadores de animación independientes. Los creadores en esta nueva era deben aspirar a no ser solo creadores y directores, si no a ser las cabezas ejecutivas de la economía de una propiedad intelectual que pueda convertirse en un negocio 360°
Hace 10 años, cuando aún participaba en las convocatorias del festival Pixelatl. Había tenido el privilegio de ser finalista de su convocatoria de ideatoon en tres años consecutivos. Como creadores finalistas de la convocatoria se nos repetía una retórica muy particular por parte de los ejecutivos invitados desde Norte América. A grandes rasgos nos preparaban a que lo mejor que nos podría pasar en una etapa temprana del desarrollo de nuestro proyecto, sería que un estudio nos diera una opción de derechos bajo una renta fija de nuestra propiedad para poder buscar opciones de financiamiento en un lapso no mayor a dos años. Que firmar con un canal de televisión para cederles la titularidad del proyecto a cambio de un crédito con un pago por formar parte de la producción era un gran acuerdo. Que darle todo tu corazón, cuerpo, mente e ideas durante 5 años a los grandes estudios era el sueño más importante que podrías tener. Recuerdo que hubo un Festival Pixelatl post pandemia donde Alex Hirsch ( creador de Gravity Falls ) justamente habló públicamente de estas prácticas como ideas provenientes del mismo diablo. Alex ha sido también congelado con este tipo de prácticas al firmar con Netflix un acuerdo de exclusividad por diversos años, negándole la posibilidad de poder crear algo de manera independiente mientras estuviera bajo contrato.
Hubo un tiempo en que realmente me tragué esa desvergonzada realidad. En la que pensaba que My Brother The Monster iba a pasar por algo así. Afortunadamente abrí los ojos rápido, estuve acompañado por un gran compañero ( Joe Alanis ) y pudimos resolver todo a nuestra manera.
Algo que he escuchado ha estado pasando seguido en nuestro país y que he conversado con diversos creadores y artistas que han hecho acuerdos con grandes estudios, es el sacrificio que implica a la titularidad de sus proyectos el poder financiarlos por medio del modelo tradicional de producción siguiendo estas prácticas contractuales que les mencioné anteriormente. He escuchado de personas que han estado al filo de perder la titularidad de sus ideas por firmar ciegamente un contrato de cesión de derechos con cláusulas muy agresivas bien disfrazadas. Legalmente la cesión y opción de derechos deben ser herramientas únicamente utilizadas por los estudios para garantizar al 100% la consolidación de un proyecto de animación. Deben tratarse con cuidado, no como una vía de inmediatez hacia el éxito, si no como un acuerdo que traiga beneficios a ambas partes.
Muy popularmente estos acuerdos están diseñados por abogados que claramente tienen como objetivo beneficiar solo a una de las partes. Pueden congelar la titularidad de la obra del creador durante años y por si fuera poco si quieres finalizar uno de estos antes de tiempo, te va a costar mucho dinero. Utilizados con malicia los estudios pueden generar dinero sea cual sea el porvenir de este proyecto. Creanme, algunos de sus directores y creadores favoritos han pasado por esto.
Acuerdos que en su tiempo parecían ser parte de un sistema racional, una norma y una realidad latente para los creadores y productores de ideas originales, ahora me parece una práctica sin sustento y garantías reales para nadie. Estas empresas no tienen mucho que ofrecer para lo que valga la pena sacrificar la titularidad de tus ideas por la fantasía de aparecer en alguna plataforma digital y ser reconocidos. Si te quieren endulzar los oídos con que te meterán a Netflix, Disney, Amazon, etc, investiga y observa el mercado de adquisiciones actual, vas a encontrarte con que nadie está comprando nada. No lo digo solo yo, lo dicen diversos especialistas de la industria como lo es Eric Calderón por medio de su canal de Youtube “Surviving Animation”
Si un estudio no puede brindarte un acuerdo confiable que te beneficie en este trayecto. ¿Qué sentido tiene perder el control sobre tu propiedad y por lo tanto apagar la manera en la que puedas generar un modelo de negocios derivado de ella, que te permita capitalizar tu propio universo e independizar tu actividad profesional?
El nuevo centro del sistema de desarrollo de originales, la propiedad digital accesible.
Para mi ese es el sueño en un nuevo sistema que realmente le de a los creadores de animación el volante de desarrollar un negocio en nuestro país. Porque admítanlo, todos quieren tener lo que tiene Dr. Simi, la propiedad intelectual más relevante actualmente en México.
El rey, que ni de rodillas soy digno de él. Un personaje que gracias a la correcta planificación de recursos, estrategia digital y activaciones en vivo, se convirtió de un meme que nos hacía reír en el personaje original Mexicano con mayor derroche económico desde “El Chavo”. Cuando veo a Dr. Simi, veo hacía donde todo debe de ir para garantizar una industria sustentable para las empresas con un sistema de omnicanalidad en donde el centro sea la Propiedad Digital. No me refiero solamente a la Propiedad Intelectual, me refiero a que el Sol que le da vida a todo el sistema sea un organismo vivo que llegue a la vista de todos sin importar en donde estén.
Un piloto animado, una película animada, un corto, no pueden lograr esto por sí solos como producto, pero los personajes y los creadores si pueden, como un binomio.
Cuando un piloto animado, se convierte en el MVP de una propiedad intelectual, inmediatamente queda encasillado por la audiencia en necesitar una serialización para consolidarse como una marca de consumo. Porque el creador definió que su propiedad tiene que nacer en animación y por tanto la promesa de venta, recae en la continuidad de este producto. Cuando nuestro MVP es una Propiedad Digital, tenemos la omnicanalidad garantizada desde el inicio sin expectativas de la audiencia de recibir productos específicos dentro de un calendario de exhibición. En lugar de preguntarse “¿cuándo sale el segundo episodio?” ( que es el fenómeno más popular que he visto ocurrir y el cual termina matando a los proyectos por no garantizar una serialización inmediata ) van a preguntarse “¿cuándo harán un especial animado? ¿cuando harán mercancía original? ¿cuando sacaran un comic?”. La audiencia tendrá como expectativa consumir la propiedad en los formatos más inmediatos posibles. Esto genera mucho menos estrés financiero en el proyecto, porque puedes crecer tu estrategia de monetización a la par de la demanda de la audiencia sin generar expectativas irrealizables y apoyarte de diversos medios audiovisuales para contar tu historia.
Quienes optaron por construir una marca con este sistema fueron los creadores de “Claynosaurz” quienes en tan solo 4 años de iniciar una “Digital First Character Brand” tienen un modelo omnicanal altamente exitoso, que ha generado encima de 10 Millones de dólares en la venta de producto físico y digital de sus personajes. Habiendo construido un modelo 360° primero con una óptica de franquicia, habilitaron en muy poco tiempo verticales de contenido que les permitieron llevar sus personajes a la animación. Actualmente el equipo de Nicholas Cabana ( Co-Creador de Claynosaurz ) prepara contenido animado de mayor calidad para competir en el mercado de series digitales internacionales. Jamás hubo un piloto en sus “milestones”, la animación es el resultado de un modelo financiero que les permite invertir en contenido audiovisual con un riesgo limitado gracias a la audiencia consolidada que consume sus productos. Justo como en la época donde el juguete por sí mismo daba sustento a la producción de la serie de televisión. El año pasado por recomendación de Joe Alanis escuché el audio libro de “Content Inc”, el cual posteriormente me provocó ir a Youtube a buscar conferencias, entrevistas y charlas de su autor Joe Pulizzi. Vaya joya de conocimiento con el que me encontré, fue de los catalizadores que me llevó a querer emprender en Licenciamiento. Incluso se lo recomendé a Rafael Pagaza, Director de Somos Cado. Estaba fascinado por el contenido de la teoría de Content Marketing que Pulizi plasmaba en el libro y había comenzado a implementar muchas de sus lecciones dentro de la estrategia digital de Somos Cado. Lecciones que cuando antepongo en el mundo de las licencias, marcas y propiedad industrial exitosa, veo claramente el hilo conductor de una propiedad digital bien consolidada.
Cuando aprendí el método narrativo de “Save de Cat” de Blake Snyder, cambió por completo la manera en la que veía cine, series y hasta escribía mis propias historias. Bueno, imaginense que Joe Pulizzi y “Content Inc” hicieron lo mismo por mí pero en relación a marcas de consumo y propiedad intelectual. Ahora, cuando superpuse ambos conocimientos por encima del desarrollo de proyectos animados que puedan tener omnicanalidad como marcas de consumo me sentí Sasuke Uchiha activando su sharingan por primera vez en Naruto.
Antes de hablarles de esta superposición, necesito que hablemos de los agentes más influenciantes del desarrollo del ecosistema creativo y hasta económico de una región, los Festivales de Animación y Mercados de Negocios B2B. Aquí quizás a algunos no les guste lo que voy a decir, así que tengan la mente abierta.
El cambio de paradigma para los festivales y mercados. Una oportunidad para resignificar su contenido y sus esfuerzos. Este es el apartado más largo, les recomiendo agarrarse de algo. El sistema de creencias actual de los creadores emergentes no está construido por su propia experiencia ni pensamiento crítico, está construído por una retórica constante que tanto festivales como eventos de conexión profesional del medio repiten una y otra vez ciegamente a pesar de tener evidencias del enorme cambio por el cuál está pasando una industria global.
¿Qué pueden hacer los festivales ante un cambio de paradigma donde el centro del sistema para creadores ya no sea crear animación solamente, sino generar un ecosistema de ingresos con una propiedad digital?
He tenido el enorme privilegio de haber participado activamente en Festivales y Mercados internacionales de animación. He conectado con realidades de otras regiones, entendido las herramientas de producción ( y coproducción ) con las que cuentan los países con mayor exportación de animación y así mismo he entendido el valor emocional que estos puntos de encuentro tienen para todos los artistas.
Un alto porcentaje de estudiantes, profesionistas e incluso veteranos con más de 30 años de experiencia me han dicho “Los Festivales son el corazón de la industría” y entiendo que emocional y analogicamente tiene todo el sentido del mundo. Son un punto crítico por el cual transita el talento, las empresas, las propiedades y las organizaciones gubernamentales para encontrarse entre sí en un organismo central que es fundamental en el funcionamiento de las relaciones entre estas partes y activar la capacidad que estas tienen de crear en conjunto.
Sin embargo, aunque coincido completamente con esta óptica. Tengo que subrayar algo muy importante sobre el funcionamiento de estos organismos y es la razón por la cual no pueden tener el derecho de pensar que deben controlar lo que entra y sale en esta industria - Gate Keeping - y es que son organizaciones con sus propios intereses, sujetos a un modelo económico altamente dependiente de los gobiernos nacionales o estatales y por lo tanto tienden a centralizar sus operaciones porque no son organismos plenamente independientes.
Hace diez años, formé parte de una delegación de profesionistas Mexicanos que fuimos invitados formalmente por el Gobierno de Quebec a uno de sus mercados más importantes de animación “Cartoon Connection Canada”, gestionado por la empresa PIXEL Quebec. Era una organización sin fines de lucro que tenía como objetivo ser la principal plataforma de desarrollo y maduración para las industrias de animación, VFX y videojuegos de la región.
A la fecha, no he participado en algún otro evento con un balance logístico, profesional, humano y emocional tan perfecto como lo fue Cartoon Connection. Diario habían increíbles sorpresas para los asistentes del evento, aprendíamos sobre la cultura local del país a través de su gastronomía y eventos nocturnos; nos trataron como invitados internacionales involucrándonos con su industria nacional. Nos dieron un tour a diversos estudios de Montreal con un anfitrión de primer nivel ( Te quiero mucho Dominique ) y ahí fue cuando me enamoré completamente de la carrera profesional que había decidido ejercer por el resto de mi vida.
Louis Leclerc estuvo a la cabeza de la organización por ocho años, hasta que decidió migrar al sector privado - siguiendo sus propios objetivos personales - en un torbellino de circunstancias que lamentablemente comprometieron las operaciones de Pixel Quebec, llevándola a su fin justo en el año que pegó la pandemia. Pixel fue el corazón del ecosistema creativo y de innovación en Quebec hasta que poderes mucho más grandes en juego determinaran su desaparición en la región. ¿Qué factores fueron los culpables de que se apagara este corazón en Quebec?
La centralización de las operaciones en Quebec / Montreal hicieron a la organización dependiente del ecosistema político en el país. Viviendo a merced de presupuestos estatales cada vez más pequeños para el desarrollo de la economía creativa.
Con la maduración de la región, los estudios locales como Ubisoft, Frima, Rodeo FX o Cinesite ( entre otras empresas ) consolidaron su propia presencia con proyección internacional.
Muchas de las labores de vinculación y desarrollo que llevaba a cabo PIXEL pasaron a ser asumidas por otras entidades de desarrollo económico regional o por los propios estudios. Dejando a la organización sin un motivo para convencer al gobierno estatal de seguir participando en el financiamiento de un mercado internacional.
El último clavo en el ataúd, la pandemia por el Covid. Las restricciones sanitarias congelaron completamente las operaciones de PIXEL, que además de no tener el apoyo estatal para seguir adelante, el cluster de empresas creativas no vio valor en rescatar la organización como un símbolo para la región.
Annecy, el festival que lleva por nombre a su ciudad anfitriona y que se ha consolidado como el festival de animación más importante del mundo. No está exento de que alguna crisis de gobernanza en la Unión Europea ponga en una posición complicada a CITIA (Cité de l'image en mouvement ) quienes son la organización detrás de la realización del festival de Annecy. El financiamiento de CITIA proviene de diversos organismos gubernamentales y territoriales que centralizan / regionalizan los objetivos del festival. Atándolo ciertos intereses geopolíticos del estado ( desconozco cuales sean estos ) Afortunadamente CITIA ha sabido construir un modelo de operaciones altamente estratégico, que le permiten mitigar la influencia política en su planeación y crecimiento. Gracias a los siguientes elementos:
Annecy es un activo turístico que causa una alto derroche económico durante el verano en la región y alrededores ( incluido Suiza ) Al ser un punto de encuentro internacional, la economía de la región responde positivamente al alto tránsito de jóvenes que buscan no solo vivir la experiencia del festival, también de enamorarse de la ciudad.
Incluye a patrocinadores nacionales e internacionales de forma integral dentro de las actividades del festival,destacando por sus promocionales y activaciones a lo largo de la ciudad.
Capitaliza al mercado norteaméricano a través de diversos eventos exclusivos patrocinados por los estudios y las plataformas más grandes del mundo. Digamos que “les renta” la posibilidad de tener una primicia / spotlight en el evento más importante del medio en el mundo.
Mientras Annecy, siga trayendo derroche económico a su región ( sin importar el crecimiento real del medio creativo en Europa ) y sea un punto de concentración de las marcas más importantes de contenido animado en el mundo, no veo exista un poder ( por ahora ) que ponga en duda la gobernanza del festival. Sin embargo, esto no lo hace inocente de accidentalmente seguir infundiendo la retórica hollywoodense a nuevos artistas y creadores, retórica que a mis ojos está haciendo más daño que inspiración en el desarrollo del pensamiento creativo y aspiracional de nuevas generaciones.
Antes de la pandemia, la curaduría y selección oficial del festival beneficiaba principalmente a producciones provenientes de la Unión Europea e industrias emergentes con una propuesta madura para el mercado de animación. Sin embargo, han decidido abrazar por completo a los estudios de Hollywood y sus producciones, creando una clara incongruencia entre el mensaje central del festival como un punto artístico de exploración independiente y el mensaje aspiracional de Hollywood que, viendo la tasa de empleabilidad actual del medio, me parece ridículo. Pueden encontrar más de este disconfort en la siguiente nota de Cartoon Brew que me parece agrega bastantes puntos completamente válidos a esto último que menciono.
De nuevo estamos dejando que Norte América, le diga a todos que hacer y cómo hacerlo.
¿Ya no son solo policías del mundo, ahora son policías de la producción de animación?
Nuestras economías, empresas, formación de talento y acceso a recursos no son los mismos. ¿Por qué querríamos imitarlos? En Europa y Asia hay una tremenda riqueza en sus industrías locales. Cada una con un modelo de producción y narrativas tan distintas que se reflejan en sus propiedades nacionales ( que no necesariamente se exportan a America ). Paises como Francia, Alemania, España, Rusia, Korea, China, India y Japón, aunque entre algunas de ellas compartan fronteras o esten a un paso de la otra, cada quien tiene una modelo de producción local y narrativas muy específicas.
En México, estamos pasando por una época de descentralización muy importante, en donde diversas voces están comenzando a desarrollar nuevos puntos de encuentro creativos a lo largo de la República Méxicana. Aguas Calientes se sumó este 2026 al Tour de Festivales Nacionales con el FINAV, Monterrey prepara su primer mercado creativo para la industria próximamente, El ILUMA de Puebla desarrollado por el Tec. de Monterrey y Destacado en la Ciudad de México año con año demuestran su crecimiento sostenido y la enorme comunidad de estudiantes que participan en sus actividades. Esto es increíble, tenemos un tour de actividades profesionales en la República Mexicana. Esto no se había visto jamás. Lo mejor de todo es que cada una trae una ideología distinta, donde a pesar de compartir corazón, es importante cada una muestre una pieza distinta del rompecabezas acorde a la observación del crecimiento del medio en México. Porque no podemos centralizar el mensaje de lo que es el medio en el país, ni dejar que exista un absoluto al respecto.
Durante más de una década, al Festival de Animación Pixelatl se le ha visto como el “Avant Garde” de los eventos de animación en nuestro país, también reconocido como de lo mejor en América Latina. Yo emocionalmente vivía una evolución en mi persona año tras año participando en sus actividades y mercado de negocios. Sin duda alguna para todo Mexicano en este medio, quienes han participado en sus actividades, han sido beneficiados por sus convocatorias o han vivido experiencias inolvidables en sus espacios, es sencillamente un símbolo del espíritu que tenemos en México para crear.
Actualmente me resulta imposible separar la simbiosis que hay entre el Festival Pixelatl y el Gobierno del Estado de Jalisco. Cuestión que si les soy sincero ha causado que vea a este evento al que le debo muchisimo, con ojos completamente nuevos. Al ver como Pixel Quebec terminó sus operaciones por un cambio de gobernanza y objetivos económicos derivados obvio de cambios políticos del estado ¿Qué tan seguros estamos de que las políticas y programas creados por “Movimiento Ciudadano”, el partido naranja que gobierna Jalisco, estarán para siempre? ¿Qué pasaría si ganara MORENA ( por decir ) en las siguiente elecciones y los programas de innovación y apoyo a las industrias creativas como lo es Ciudad Creativa Digital, se vieran apagados por mover recursos a programas sociales, o sencillamente porque a Morena le encanta destruir lo que hace la oposición por puro placer? Estoy seguro que a muchos de ustedes jamás les cruzo por la cabeza.
La realidad de los festivales que centralizan estatalmente sus actividades siempre va a ser tener que depender del gobierno del estado en el cual realizan las mismas. Esto es la norma en todo el mundo, ningun festival esta exento. No puede existir crecimiento en un ecosistema cultural y creativo si no se involucran los gobiernos federales y estatales en su desarrollo, nuestro cine en México también depende de ello. Cada sexenio en México cambia el show y a pesar de la realidad actual del páís, el medio ha encontrado como salir adelante sin importar quien este al poder.
Afortunadamente nuestros Festivales cuentan con personas a la cabeza que tomarán decisiones críticas que les permitan sobrevivir para seguir trayendo oportunidades para todos los artistas. Para tener también garantía de esto, urge realmente “desamericanizar” en buena medida la curaduría de estos espacios en nuestro país ¿Porque?
Hace pocos años, sentado en una fila en una conferencia de un festival, algo ya no hacía click conmigo.¿Qué cambio? Las personas que tanto quiero de este medio están aquí,la estoy pasando bomba paseándome por el evento, pero a pesar de la alegría que me daba ver a mis colegas, mi sistema de creencias sumada a la óptica qué ahora tenía del medio ya era una muy distinta a la de hace una década.
¿Por qué insistimos tanto en traer al showrunner o director norteamericano a decirnos a los mexicanos cómo triunfar? Admiro mucho a las figuras que han venido a inspirar a los jóvenes creadores con sus experiencias de vida, sin embargo en México nadie estudio en CalArts ni tiene la fortuna de trabajar en un ecosistema donde un estudio pueda darte un programa de crecimiento artístico donde de artista puedas pasar a dirigir o crear tu propio show. Ni en los estudios con mayor experiencia como Anima o Huevocartoon se realizaban estas prácticas - Lo cual honestamente es lo que los llevo a donde están ahora - Las anécdotas creativas de estos creadores, el pensamiento narrativo y la estructuración de un pitch para un proyecto si son herramientas valiosas que en todo el mundo funcionan igual, yo las uso y las hasta las enseño como si fuesen los 10 mandamientos de Moises. Aunque parcialmente estos mensajes tengan sentido, en el área de desarrollo profesional, la inserción laboral, la consolidación de una voz autoral y la vinculación con estudios que habiliten el desarrollo de los creadores, están en un ecosistema distinto y por tanto necesitamos reformar como creamos propiedad original animada en México sin querer ser a fuerza como Estados Unidos.
¿Qué recomendaría hacer a los Festivales y Mercados en este caso?
Si van a traer Showrunners a dar una conferencia. Qué trate de los procesos de producción y estrategias de gestión de equipos que puedan adaptarse a los procesos de producción en México. La historia de su vida está muy padre, pero no se puede replicar ese tipo de éxito en nuestro país y darle tanto énfasis a eso es dañino para el autoestima profesional de los jóvenes creadores. Porque chavos, en serio jamás van a ser Danna Terrace, lo siento mucho.
Necesitamos más presencia de marcas digitales que han saltado a la animación por medio de estrategias de omnicanalidad y content marketing. Mentes estratégicas que le enseñen a los jóvenes artistas a no solo dibujar personajes, también crear una estructura de trabajo y entendimiento de las redes sociales para generar audiencias para sus proyectos.
Programas de incubación en lugar de pitching. En múltiples festivales de América latina hay convocatorias que les permiten a los creadores mostrar sus proyectos de series y cine ante productores, ejecutivos y especialistas del medio. Todo con el propósito de llevar a cabo un “Festivaleo” que genere exposición en los proyectos y los ayuden a conectar con agentes que puedan hacer posible su consolidación. Debo admitir que el “festivaleo “ es como el “Vogue” de crear animación, es la parte más glamorosa de esto. Sin embargo en una industria donde no se está adquiriendo y produciendo de manera muy limitada. Solo encuentro válido hacer la inversión en festivalear si tu objetivo principalmente recae en mostrar tu trabajo, relacionarte en el medio, conocer el ecosistema internacional y hacer conexiones significativas.
No todo puede ser narrativa, arte, producción y exhibición. Se necesitan traer a la mesa más habilidades estratégicas, financieras y mercadológicas a los creadores para que ellos puedan empezar a desarrollar su proyecto como una propiedad digital de manera autónoma ( no va a aplicar para todos, habrá proyectos que por su naturaleza sean una excepción ) pero a mi criterio con todas las biblias que reviso cada año de personas que me buscan para ayudarlos, sin problemas veo propiedades con una enorme capacidad de empezar a generar audiencia sin necesitar un piloto animado, serie o película y sin tener que viajar por todo el mundo buscando quien te pueda dar al menos una parte de lo que tu proyecto necesita para consolidarse.
Finalmente agregaría como pieza monumental a los mercados B2B nacionales, convertirlos en mercados literales. Pabellones repletos de booths de marcas, estudios, talento y propiedades nacionales que den visibilidad a la riqueza nacional en tema de desarrollo de sector. El año pasado que formé parte del Mercado de Destacado, realmente me pareció un acierto fenomenal entrar a un espacio repleto de todo lo que se hace en México. Permitiendo también a los visitantes de diversas categorías profesionales, vincularse con lo “Hecho en México”
Esperen, tengo uno último, pero este es solo un capricho mío ¿ok?
Debería existir un festival y mercado de animación en la playa. Como MIPCANCUN, el cuál es una maravilla por que atrae a las figuras más importantes de la producción internacional debido a que en su viaje aprovechan para llevar a la familia y aventarse unas vacaciones en México al mismo tiempo que asisten al evento - mismo modelo de derrama económica turística de Annecy pero en menor escala - Si hubiese una plataforma latinoamericana enfocada en nuestro medio que tuviera un atractivo turístico fenomenal, podríamos convencer a muchísimas personas en participar y venir a ver lo que se hace en México. Mipcancún no tiene un apartado como tal de animación, sin embargo he escuchado que se han llegado a dar casos de asistentes del medio al evento. Aunque no hay veredicto si este valga mucho la pena en relación a las oportunidades por el costo del evento, el cual es muy elevado.Se los dejo ahí para que lo piensen.
Esquematizando un modelo de desarrollo con accesibilidad, vinculación comercial y autonomía.
Si llegaron hasta aquí, en serio les agradezco mucho su capacidad de atención y lectura. Ustedes son mis gallos. Significa mucho para mi que no se hayan enojado en el camino y mandado a volar mis observaciones.
Hay tres “poderes” que podemos reorganizar en el ecosistema actual de Animación en México y tenemos absolutamente todo para hacerlo funcionar.
La titularidad del creador sobre su obra ( Autonomía Creativa )
El producto mínimo viable ( La Propiedad Digital )
La vinculación comercial ( Mercados, Festivales y Licencias )
La Autonomía Creativa:
La no dependencia de una relación creador / estudio para poder explotar su obra física o digitalmente.
Antes de escuchar las promesas de una casa productora, de un productor independiente o un inversionista, háganse la siguiente pregunta ¿Puedo EMPEZAR yo solo? ¿Cuento con recursos y habilidades que me permitirían encender el motor del proyecto? Si la respuesta es sí, entonces no le den una cesión / opción de derechos a nadie. Así ustedes pueden arrancar su propio proyecto con un enfoque físico y digital, trabajando alrededor de una sola red social poniendo los cimientos que desean mantener del mismo y que van a ser accesibles para la audiencia desde el principio ( hay acuerdos que congelan tu capacidad de mostrarle al mundo la IP ) Si te casas con una casa productora o un estudio de animación desde la etapa temprana de desarrollo, ellos van a querer tomar el control de la propiedad incluso en su comportamiento digital si contractualmente se los permites.
Si de todas maneras quieres realizar un acuerdo de cesión / opción con una casa productora porque hay buen beneficio para ti o tu equipo de trabajo. Haz lo posible para tener poder de la presencia digital del proyecto y puedas construir una audiencia sin necesitar de la autorización de estas personas.
La Propiedad Digital:
La colección de recursos visuales, auditivos y textuales que están vinculados por un personaje, una historia o un claro estilo artístico con presencia online.
En esta definición en ningún momento dije “Piloto Animado” - ya deben creer que los odio, pero no, solo me parecen un gasto sin sentido - La propiedad digital puede ser un audiolibro publicado online, una novela subida a wattpad, un comic disponible en Webtoon e incluso memes con un divertido personaje en instagram. Hablo de todas las posibles verticales por las que puedan comenzar a vincular su obra con distintas audiencias y que todas participen desde estos diversos puntos de encuentro con ustedes como creadores.Muchos de ustedes deben conocer el músical “EPIC” animado por “Neillustrator” una artista de storyboard y animación que decidió contar su visión de esta historia en un formato de animatic porque era la mejor manera de arrancar para ella y tener un producto mínimo viable. A pesar de no ser una producción animada finalizada, tiene muchos más seguidores y views ( en loop ) que proyectos animados de alta calidad. ¿Qué los detiene a ustedes de en lugar de producir por completo una serie, lanzarla en animatic bajo el mismo modelo de publicación? Lo que importa es sacar la propiedad adelante.
Consolidar una propiedad digital les va a permitir activar la omnicanalidad de manera temprana. Si su audiencia endémica se encuentra en una ciudad en específico, pueden organizar encuentros con ellos a través de diversos ejercicios como una “Pop Up Store”, una lectura pública de un cómic, una firma de libros, e incluso colaboraciones que puedan llevar a cabo con el mercado local de su ciudad. Acuerdos de Licensing con cafeterías emergentes, decoración de salones de fiesta con sus personajes e incluso rentar sus personajes para promocionales de alguna tienda. Así ustedes generan una huella digital comercial, verticales de negocio e incluso una ganancia a partir sólo de tener unos cuantos miles de seguidores orgánicos en las plataformas que estén usando. Si ustedes tienen la capacidad de hacer esto, antes de vincular la propiedad con un estudio, casa productora o inversionista. Tienen más herramientas para negociar su participación como autores y en caso de una cesión u opción de derechos, un pago sustancioso para que ustedes “suelten” un pedazo de este producto. Al ser “omnicanal” se convierte en una propiedad donde cada categoría de contenido es un negocio independiente. Porque al estudio de animación, no le vas a dar poder sobre la novela gráfica. Una propiedad digital le garantiza al creador poder ceder y opcionar a su gusto sus creaciones sin perder autonomía porque existen diversas verticales del producto en las que este sigue trabajando.
La Vinculación Comercial:
Toda actividad ejecutiva que involucre al autor en un ecosistema de negocios de producción, explotación y exhibición.
El cambio de enfoque a la Propiedad Digital, te abre una docena de nuevas posibilidades para llevar tu proyecto a ojos de figuras clave para su crecimiento. Ya no son solo festivales o mercados de animación, también son ferias de marcas, expos de fabricantes de juguetes, expos de licenciamiento, expos de moda, en fin. Todas las categorías dentro de los eventos de negocios que involucren marcas, creatividad y desarrollo de producto.A Festivales de animación en México no vienen fabricantes de juguetes, licenciatarios de marcas o incluso representantes de propiedad industrial. ¿Por qué no tenemos a estas personas en nuestro país si en México hay una riqueza indudable de ideas con potencial de comercialización global y estas figuras podrían ayudarnos a entender cómo posicionarnos mejor? Ellos no buscan necesariamente que el producto tenga contenido animado, buscan un producto que haya creado una audiencia significativa a la que se le pueda vender mercancías, servicios u algo más -si, la producción de entretenimiento como cine y series sin importar el formato es de una grandísima ayuda, sin embargo la calidad, el volumen o incluso la plataforma de exhibición pasan a segundo plano - ¿Se les olvidaron los “Italian Brainrot”? Su principal punto de viralización fue en Roblox y al no tener un titular, un registro de marca ( siendo un caso muy extraño de dominio público ) se convirtieron en el mejor producto para la piratería y fabricantes locales en nuestro país.
No creo que los “Italian Brainrot” hayan podido ser creados por una figura en específico, son un vórtice de modificaciones virales y memes de internet. Pero si estos tuviesen “copyright”, la persona dueña de la marca sería multimillonaria actualmente por una propiedad digital del cual la audiencia ha hecho todo el trabajo para multiplicar el valor de la propiedad, principalmente en Roblox. Si alguien sabe alguna actualización al respecto sobre el estado de los derechos de estos personajes, por favor háganmelo saber para actualizar esta información.
La industria de animación necesita conectarse con la industria de las marcas de consumo y llegar a audiencias masivas.
He soltado veneno - no lo voy a negar - a muchas organizaciones, festivales y empresas que en mi criterio, no están entendiendo en absoluto como se está comportando el ecosistema global y que siguen empeñadas en hacer todo al pie de la letra de lo que ordena norte américa. Como industria profesional seguimos atorados en que nuestras empresas sobreviven de ofrecer servicios al extranjero en donde nos hemos defendido muy bien tanto en la oferta de talento como en el trato al cliente ( Canada está igual según mis fuentes de allá ). También hay casas productoras que básicamente viven de incentivos gubernamentales y estímulos para producción de cine año con año. Ambos perfiles cuentan con la infraestructura para producir propiedad digital, pero se ensañan con hacer pilotos, cortos o pruebas de animación que no les garantizan crear un producto que les permita tener una vertical de negocio a largo plazo. Anima Studios produjo siete películas de “Las Leyendas” y una serie de muy buena calidad disponible en Netflix. Esto ocurrió en un lapso de casi 20 años.
Díganme en todos esos 20 años ¿Saben como se llaman los personajes de la franquicia?¿Cuándo esta propiedad se acercó si quiera a hacer lo que Huevo Cartoon logró a principio de los dos miles? ¿Dónde estaban las colaboraciones de marca, los acuerdos de licenciamiento, el desarrollo de producto con manufactura nacional o incluso la misma inversión del estudio en posicionar a los personajes fuera de la sala de cine? En veinte años de producir y producir cine, jamás destinaron un soporte estratégico para desarrollar la propiedad como un producto de consumo que pudiera vivir en diferentes categorías fuera de la pantalla. ¿ No les importó, no sabían hacerlo o sencillamente el problema es algo que estaba fuera de su control?
Ya no creo que lo sepamos honestamente.
Por esa razón necesitaba meterme a Licensing a entender qué pasa en México que estamos tan desconectados del mundo de las marcas de consumo derivadas de personajes. Así que planeo usar mis 10 años de experiencia en esta industria para encontrar ese eslabón perdido que necesita nuestro país para generar un ecosistema de marcas derivadas de proyectos animados y crear más Dr. Simis en el país. Estamos dejando al mercado asiático y sus personajes “kawai” apoderarse de los consumidores de México porque no contamos con marcas capaces de hacerles frente o incluso colaborar con ellos para ser fortalecer su precensia en México.
Créditos Fiscales para ¿Licenciamiento?
Voy a hablarles de una loquísima idea que tuve hace un par de años y que realmente no he hecho nada con ella, solo tenerla en mi mente viviendo “Rent Free”
Los famosos “Tax Credits” son incentivos económicos que ayudan en todo el mundo a que las casas productoras y estudios de animación puedan minimizar el pago de impuestos sobre el costo total de producción siempre y cuando esta se lleve a cabo en el país de origen. Es un ejercicio fiscal del cual aprendí su existencia en mi visita a Cartoon Connection en 2016. Todos los estudios procuraban utilizarlo para poder tener un beneficio de hasta el 30% del costo total de una producción y con ese mismo beneficio pudiesen invertir en el desarrollo del estudio, propiedad original o empezar su siguiente proyecto.
Los Tax Credits benefician a las industrias creativas por generar riqueza y empleos dentro de su propio territorio ( por eso no te van a contratar en un estudio extranjero que utilice estos estimulos fiscales, porque ellos deben pagar salarios de ciudadanos locales ) Actualmente en México se pueden acceder a estos mismos beneficios a través de FILMA JALISCO que incentiva las producciones estatales y CANACINE quienes benefician a las producciones nacionales. Todo esto en materia de producción de cine.
La animación tambien puede ser beneficiada por estos estímulos si la fuerza laboral y servicios de producción se contratan dentro del territorio.
Muy bien, ya entendemos a grandes rasgos los Tax Credits. ¿Qué pasaría si hiciéramos un ejercicio fiscal parecido dentro del mercado de las marcas y las licencias?
Algo con lo que me he encontrado al acercarme con Licenciatarios / Retailers de la talla de Liverpool en México. Es el claro apego a las marcas norteamericanas ( Principalmente todo lo que genera Disney y Marvel ) porque les garantiza un alto volumen de ventas y movimiento de mercancía. Para ellos el beneficio está directamente en la venta en anaquel y la demanda de ciertas categorías específicas de producto. Esta demanda cambia por la temporalidad. El cambio de tendencias de consumo entre los niños y jóvenes, el salto entre temporadas de moda y la temporada de regreso a clases ( la cual es un foco muy importante para Licenciatarios ) entre otros factores, son los indicadores de movimiento de mercancía y consumidores en México.
Las empresas Mexicanas no tienen ningún incentivo real de trabajar con propiedades Mexicanas. Si quisieras entrar con un retailer tan grande como Liverpool, o incluso un producto de canasta básica ( como leche LALA que tiene a Bluey en sus cajas ) pues necesitarías tener un monstruo de propiedad industrial altamente diversificada con 10 años en el mercado o ser Dr. Simi. Siendo ese el caso quizás necesitarías apuntar a negocios más pequeños y fabricantes nacionales bien posicionados ( como el acuerdo que logre cerrar entre Cinema Fantasma y Chahneke ). Sin embargo el rechazo puede seguir apareciendo incluso en ese sector ya que van a preferir pagarle a Disney por Spiderman - que saben van a vender aunque el minimo garantizado que les deben pagar por el uso de activos sea elevadisimo - que a ti por tus personajes ( aunque tengas una cuenta con cientos de miles de seguidores )
Si hacienda le diera algún beneficio fiscal a estas empresas por trabajar con propiedades mexicanas, un sistema muy parecido al de los Tax Credits pero aplicado a la manufactura, distribución y marketing de producto nacional. Creo que tendríamos una mejor ventana de oportunidad para que nuestra propiedad digital saliera a punto de venta en diversas categorías. Así como las nuevas leyes de cine han afectado para bien la cantidad de películas mexicanas en exhibición. No se me hace ilógico pensar en un futuro donde las marcas de consumo se sumen a esta tendencia de desarrollar producto nacional con propiedades nacionales. Esta transformación puede suceder si creamos un ecosistema notable de proyectos consolidados como propiedades digitales omnicanal con presencia en Mexico.
Necesitamos activar esta economía de propiedades digitales urgentemente en nuestro país.
Los Estados Unidos están empezando a ver gradualmente su “downfall” como imperio y en medio de este colapso social y económico, se están llevando entre las patas a la industria del entretenimiento. La más grande bandera roja para mí, sucedió apenas este año ( además de la enorme cantidad de despidos, huelgas y falta de oferta laboral ) esta fue el cierre de operaciones del mercado de animación infantil más importante del mundo conocido como “KIDSCREEN”. Por 26 años fue un magno evento de negocios y vinculación profesional que permitieron a estudios obtener oportunidades de salir adelante. La relación de Gasolina Studios con Arcana Studios que permitió que pudiéramos hacer “My Brother the Monster” nació dentro de las paredes de dicho evento. Ahora el mercado al estar en constante disminución, con menos compradores, menos distribuidores, menos estudios - que en general se están empezando a mezclar y comprar entre si para sobrevivir y ser rentables en la bolsa - pues ha causado que este evento deje de tener sentido para los organizadores, anunciando hace pocos meses que el pasado Febrero, había sido la última edición del mismo.
Tienen que saber algo. No quieren nuestras historias en Norte América, están pasando por una era llena de racismo y xenofobia que ha permeado el mercado de contenidos a manera que incluso una figura tan grande como Jorge Gutierrez tenga dificultades de ver sus proyectos realizados por la clara voz de sus raíces en su trabajo ( el es muy abierto en este tema en sus redes sociales ) Me da coraje ver creadores queriendo sacrificar la titularidad de sus proyectos por migajas. Me da coraje seguir viendo en Festivales nacionales un roster repleto de invitados provenientes de Los Ángeles, que la neta ya no suman nada más que el glamour de ver un bonito detrás de cámaras de alguna producción de alto nivel.
Entrar al mercado laboral internacional desde México, en estos momentos está imposible. Aquellos Mexicanos que lograron posicionarse en estudios de Canada, USA o Europa aprovecharon la pandemia que inició un boom de contrataciones y visados a diestra y siniestra porque todos los estudios crecieron absurdamente durante ese periodo y tuvieron muchas facilidades financieras y fiscales para operar de manera remota. Actualmente para obtener una Visa de trabajo, realmente necesitas ser un unicornio, debes tener algo extremadamente único que justifique el gasto que cualquier empresa va a hacer para traerte a sus oficinas.
Estamos justo pasando por un punto de quiebre muy interesante que hará que diversos estudios desaparezcan y nuevas propuestas nazcan. Dentro de todo este nacimiento de nuevas propuestas de modelo de negocios y cultura de estudios, espero que la propiedad digital sea parte del objetivo de los creadores, productores y ejecutivos. Necesitan invertir estratégicamente en la omnicanalidad y dejar de hacer las cosas como se venían haciendo desde hace 20 años si quieren saltar a un escalón que antiguos estudios en México jamás pudieron alcanzar.
Tenemos más talento en nuestro medio del que jamás hemos tenido. Cada vez más universidades suman a su plan de estudios carreras enfocadas en multimedios, animación y efectos especiales. Lamentablemente no contamos con una tasa de empleabilidad viable para los miles de estudiantes que año con año se unen a las filas del mercado laboral en las industrias creativas. Tiene que pasar algo para que eso cambie y creo que cambiar el enfoque de desarrollo económico de los estudios a la creación de propiedad digital puede ser un factor clave en esto.
¿Qué haré con esta información los siguientes años de mi vida?
Cuando cumplía 21 años, uno de mis mejores amigos me pregunto donde me veía dentro de 10 años, a lo que contesté "En el lugar en el que quiero estar el resto de mi vida" - en ese tiempo aspiraba a entrar a Pixar Animation Studios, no tenía idea de que estaría a la cabeza de mi propia serie animada - pero el chiste es que realmente a mis 31 encontré el lugar en el quiero estar siempre.
Ahora que tengo 37 años y me encuentro repensando mis objetivos personales y profesionales, desencadenados por todo el cambio de paradigma que mencione anteriormente, he decidido que voy a hacer esfuerzos en México para lograr que los pilotos animados, las marcas de consumo, la audiencia y el mundo de las licencias tengan sinergia dentro del mercado local. Porque nada me gustaría más, que encontrar productos de las series hechas en nuestro país en cualquier lado, incluso en un Oxxo.
Para esto primero necesito saber como funcionan las reglas del juego a nivel Americas, posteriormente entender otros ecosistemas como Europa y Asía, cosa que ya hice en animación, pero ahora debo repetir en otro sector creativo ( y a una velocidad mucho mas rápida ) Colaborar con proyectos como "Claynosaurz" de quienes oficialmente soy agente de licenciamiento en México - me va a dar las herramientas para catapultar esta ambición y encontrar como hacer funcionar este sistema de contenido, licencias, marketing y autonomía creativa en México.
No quiero depender de los grandes estudios de norteamérica para dar el primer paso en ver mi proyecto animado consolidarse en una paltaforma de Streaming. Quiero que ellos sean el último paso, que todo se construya organicamente en nuestra región, con una audiencia endémica atendida por una marca, que su paso a animación sea fruto del éxito de diversas verticales de negocio.
Dr. Simi representa el estandar a vencer, porque estoy seguro lo podemos dejar atrás. Encontrar inversionsitas privados para un proyecto animado, es una misión brutalmente dificil, sin embargo encontrar inversión para el desarrollo de una idea con omnicanalidad y un retorno de inversión realista es mucho más atractivo si cuentas con las herramientas creativas, educación, equipo de trabajo y visión estratégica.
Espero esta lectura les haya dejado algo que pensar. Si sintieron frustración, enojo, emoción o ansiedad, significa que algo en ustedes resuena con todo lo que les comenté anteriormente y de eso se trata. Porque a final de cuentas el que toma desiciones es nuestro estómago, pero necesitamos dejar de pedir lo mismo en el menu una y otra vez.
No olviden compartir este artículo por todos lados, agradeceré muchísimo que llegue a tantas personas de nuestro medio como sea posible. Son libres de dejar comentarios, hate, lo que quieran soltar.
Todo esto me parece muy interesante. Soy muy buena en la industria, pero justamente eh estado considerando la idea de capacitarme en el área de "Diseño de Juguetes" para intentar desarrollar un IP basado en un producto comercial (como se hacía antes con shows como "Los Cariñositos") en lugar de iniciar con un pitch y luego desarrollar los productos.
Con tu experiencia en tanto en licensing como en animación, me encantaría conocer ti opinión, y si este estilo de modelo para desarrollo te parece viable en México?
Thanks so much, Ernesto for taking the time to write in such detail, not only about your own experiences over the last decade, but about your hopes and suggestions for the coming years. As my own focus over the last 25 years has been education for the animation industries, I would argue that, when you talk about "the creative and aspirational thinking of new generations" - you are identifying the core of the problem: within the higher education sector, and aggravated increasingly by the distorting lens of social media, those are the only two areas of thinking that are encouraged or indulged. I tried hard to cover this in the TEDx Talk I was asked to deliver last March in Ajijic…